Australian Museum of Contemporary Photography – INSTINCTS

Australian Museum of Contemporary Photography – INSTINCTS2017-07-25T17:08:32+00:00

「世界的な存在感そして植民地時代の過去をとっても、オーストラリアは地球の片隅に孤立して存在する広大かつ孤独な土地だ。オーストラリアの写真を理解するには、途方もないほどわずかな存在でしかない人々、野蛮かつ控えめな美しさ、狂おしいほどの孤独といった、物理的かつ文化的な形式を正しく理解しなければならない。」キンバリー・ロー

「Instincts」はAustralian Museum of Contemporary Photographyがプロデュースする、オーストラリアのアイデンティティの複雑さを現実的かつコンセプチュアルな方法で追求したシリーズだ。オーストラリア大陸で活動する6名の写真家(Gilbert Bel-Bachir、Phil Bayly、Phillip George、Graham Miller、Polixeni Papapetrou、William Yang)の作品で構成され、赤道以南ならではの自然風景や、ある土地で生まれた語りが浸透して象徴的な物語へと発展したさまを写し、オーストラリアが置かれた状況に想像的解釈を与えてくれる。

「Instincts」シリーズ全体には、孤立そして文化の多様性といった独特な解釈によって特徴付けられる大陸生まれの異様なほどの美しさが浮かび上がってくる。まさにその異質性において、これらの作品はオーストラリア写真の独自性を示すとともに、疑問を投げかける。「我々には共通の視覚的マトリックスがあるのか?それとも植民地化した領土と関係しているものなのか?」

写真家は、それぞれに独自の高度なスタイルを持っており、テーマは抽象的なものから形式的なポートレイトまで多岐にわたるが、視覚的な直感を採用して、知識を明快に伝えるものばかりだ。

プロデューサー エマニュエル・アンジェリカス

“For all its global presence and colonial past, Australia is still a vast and lonely land, geographically isolated in a corner of the earth. To understand Australian photography, therefore, one must appreciate its physical and cultural form – the incredible sparseness, the wild and humbling beauty, the maddening isolation.”   Kimberley Low

Produced by the Australian Museum of Contemporary Photography, *Instincts* presents a spectrum of practical and conceptual approaches that inquire into the complexity of Australia’s identity. The exhibition includes work by six photographers who work and live on the Australian continent. Gilbert Bel-Bachir, Phil Bayly, Phillip George, Graham Miller, Polixeni Papapetrou and William Yang offer imaginative interpretations of the Australian condition, from the unique nature of southern landscapes to the peculiar narrative resonance that emerges from a land so steeped in symbolism and stories. Throughout *Instincts* an uncanny poetry emerges, borne from a continent which can at once be characterized by isolation and an unusual interpenetration of diverse cultures. In their very heterogeneity, these works present the uniqueness of Australian photography and ask the question; Is there a certain visual matrix that we share or is it something to do with the colonized territory we occupy? Each of the photographers has a personal and a highly developed style and subject matter which ranges from abstraction to formal portraiture all embracing a visual instinct which conveys knowledge with lucidity.

 Producer / Emmanuel Angelicas

Australian Museum of Contemporary Photography – Instincts –

会場:C.A.P.芸術と計画会議 4F 東ギャラリー

日程・開場時間:2017年8月19日(土) – 27日(日) 11:00 – 19:00 月曜休館

Venue: C.A.P. House 4F East Gallery

Date / Open Hours: Aug 19 Sat – 27 Sun 2017  11:00 – 19:00  Closed on Monday

Australian Museum of Contemporary Photography Exhibitionオーストラリア現代写真美術館展は、オーストラリアの土地性、時代性を含んだ特殊な事情から立ち上がったオーストラリアの現代写真の一部を紹介する特別展です。

オーストラリアは、その歴史の複雑さ、植民地時代の残像、土地の広大さや景観の多様さ、先住民族の負の歴史など、多くの特徴を有しながら、世界に対してどうその存在感を保っていくか、という葛藤を感じ続けてきた国家でもあります。その中で、自己表現や社会コンセンサスが発展し、多くの優れた考え方が立ち上がっているといいます。その優れた考え方の一端を見せるのがこの写真展の開催目的です。

今回のプロジェクトは、同美術館の共同創設者であるEmmanuel Angelicas氏がディレクターとして関わっています。氏の選んだ6名の写真家は、確かに現代オーストラリアにおいて活躍している写真家ですが、それにとどまらず世界の写真シーンにおいても高く評価される写真家が数多く含まれています。

この展覧会を通じて日本とオーストラリアの写真文化交流が立ち上がることを期待しています。

RAIEC 杉山武毅

Gilbert Bel-Bachir -Looking Through Glass-

In the series “Looking Through Glass”, Gilbert Bel-Bachir travels on Sydney’s buses and

photographs the streets through its windows. These are a selection of images taken over four years. Bel-Bachir uses the graffiti, scratches and marks left by the commuters as his photoshop. The results are sometimes realist accompanied with abstraction.
“Gilbert Bel-Bachir’s new works stage a return of the repressed, so to speak, baffling sophisticated digital technology by directing it against its own inclinations and spurning its supposed advantages. Blurring is not the result of error and inadvertence here. It is deliberately created and embraced. The blur stands for the materia prima, the stuff of sensation. Blurring asserts subjectivity, as opposed to the objectivity of the “perfect” photograph. This is the same subjectivity, of course, that digital cameras were designed to bypass and deflect.

A click of the shutter no longer brings the intimation of eternity, but shows the whisk
and whirl of time. Distortion and waywardness of focus evoke the provisional nature of perception, the influence of states of mind on the way things look, and the tenuousness
of visual impressions when they get mixed up with thinking and daydreaming.
The images that compose this series were accumulated over four years, while travelling on Sydney’s inner-city bus routes. Very early in the sequence the viewer notices the multiplication of spatial layers, the congestion of the foreground, and the increasing fragmentation of the visual field. A window pane is scratched, graffiti’d, fogged up, covered with raindrops – these are obstacles to seeing out and serve to materialize a “surface”. It is not quite the same thing as the surface of a painting, but it is analogous. Like modern paintings generally, these photographs are meant to be looked at and looked into, but not seen through.”

Extract by Terence Maloon from the catalogue Looking Through Glass

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ギルバート・ベルバヒエ – ガラスを通して –

「ガラス越しに見る」シリーズでは、ギルバート・ベルバヒエがシドニーでバス旅行をしながら窓越しに通りを撮影しています。これらは4年間かけて撮影したものの中から選択した写真です。ベル・バシールは通勤者が残していった落書き、傷、汚れの跡をフォトショップとして使用しています。彼の作品の中には、抽象的リアリストを具現しているものもあります。

ギルバート・ベル・バシールの新しい作品は、「抑圧された者たち」の再現です。言ってみれば、高度なデジタルカメラに設計された技術を使用していません。

ここでのぼかしは、誤りや不注意ではなく意図的に作り出して取り込んでいます。ぼかしは感覚的本質でもある、原材料を表現しています。またぼかすことで「完璧」な客観性とは対照的に主観性を表現しています。言うまでもなく、デジタルカメラにはバイパスして偏光する機能が備わっているからです。

シャッター音は流れる時間の渦を映し、時間が不変ではないことを感じさせます。

焦点が歪んだりぼかしが存在すると、知覚の性質が一時的になったり、物の外観に対する心の状態が影響したり、考えや空想が入り混じって視覚的な印象が不明瞭になったりします。写真の画像は、彼がシドニーの市内バスのルートを旅行しながら4年間かけて撮影したものです。シーケンス内の最初の写真においては、多層空間、輻輳、わずかな断片しか視界にはいってこないことに鑑賞者が気づく内容となっています。窓ガラスは傷、落書き、曇り、雨滴で覆われ外が見にくく、これが写真の「表面」に物質的な形を与えます。 それは絵画の表面とは似て非となるものです。現代の絵画のように、一般的にこれらの写真を見たり、覗き込むことはできますが、見通すことはできません。

Terence Maloonによるカタログ「ガラス越しに見る」からの抜粋

Phillip George – Burnout –

Burnout represents a transient vision of the Australian landscape, one that critically describes a fundamental epic reality of the Australian environment. The Burnout suite of works document the aftermath of increasingly intense and deadly bushfires that impact the Australian landscape. The charcoal aftermath has a sublime impact on the viewer, from the air the landscape is transformed into a monochrome painted wasteland. These catastrophic fires have become more frequent and have prompted a rethink of the way the bushland is looked upon. Aboriginal Australians have a complex and detailed way of managing the land with fire that dates back millennia, it is only recently that the newcomers to this land have begun to understand and appreciate the special indigenous knowledge and are now striving to implement this ancient proven tradition.

The Burnout images were made on the outskirts of some of the deadliest southern fire- grounds, the Kinglake and Marysville fires that claimed 173 lives and injured 414

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フィリップ・ジョージ  – 燃え尽きる –

‘燃え尽きる’はオーストラリアの風景のつかの間の姿、つまりオーストラリアの環境の大きく重要な現実を批判的に表している姿を見せてくれます。‘燃え尽きる’の作品一連はオーストラリアの風景に影響を及ぼす、ますますひどく激しくなる山火事の結果を記録しています。炭になったその結果は、見る人に驚くほど影響を与えます。その風景は、空から見ると、白黒に塗られた不毛の地に変わっています。これらの悲劇的な火災の頻度は増し、そのことで人々は森林地帯をどう見るか、もう一度考えようと思いました。アボリジニの人々は千年前に火災があった土地の、複雑で詳細な扱い方を知っています。この土地に新しくやってきた人が、その土地固有の特別な知識を理解し真価を認め始めたのはつい最近のことですし、この古くから証明されている伝統を実行しようと努めています。

‘燃え尽きる’の写真は、南部の最もひどい火災現場、つまり死者173人、負傷者414人を出したキングレイクとメリーズビルの火災現場周辺で撮影されました。

Graham Miller

“Graham Miller is known for his atmospheric images that combine cinematic vision with the eye-for-subtle-detail of a short story writer. Generous in spirit and outlook, his works are emotionally rich and often moving portraits of people and places. Each portrait invites curiosity about the possible events that have brought his subjects to this point in their lives, and each landscape evokes the sensation of being fully within the urban and natural environments presented.

Robert Cook, Curator of Contemporary Design and International Art, Art Gallery of Western Australia.

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グラハム・ミラー

ステートメント
グラハム・ミラーは、映画的な映像と短編作家ならではの細部にこだわった審美眼を合わせもった独特の雰囲気を有する作品で知られる。精神も態度も寛大な彼の作品は感情的に豊かで、人や場所の感動的なポートレートが多い。ポートレート写真では被写体がそれぞれの人生でこの地点に至るまでにどんな出来事があったのだろうと好奇心を誘い、風景写真ではそこに映る都会および自然環境のなかにいるような感覚を引き起こす。

ロバート・クック(The Art Gallery of Western Australia、Contemporary Design and International Artキュレーター)

Phil Bayly – Outback –

As a child I would often travel with my family on long road trips to desolate regions of the Australian Outback. We would drive for days through barren lands with little or no vegetation. The landscape was wild, harsh and uninviting. In the midst of this land were small remote communities that survived on not much more than the people who inhabited them. They depended on one another for companionship and support, and shared the menial resources. Their water was drawn from the ground. Long and lonely roads that seemed to led nowhere was their only connection to the outside world.

For more than 30 years I have revisited these memories by road and rail. I have travelled with photographers and friends documenting these communities and the spaces between them. It seems little has changed.

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フィル・ベイリー – アウトバック –

家族と子供の頃、オーストラリアの荒れ果てた未開の地をよく旅した。草木もまったくないような荒野を何日も車で走り抜けた。その風景は野生的で荒々しく心惹かれるようなものではなかった。そのような土地の真っ只中に人里離れた地域に住む人々がいた。そこでは住むもの同士だけが頼ることの出来る人間だった。

お互いに頼り、そして支え合い、微々たる(基本的なという意味合い)資源も分かち合っていた。彼らの水は地下から引いたものだ。どこにもつながっているようには見えない長く物寂しい道。それが、唯一、外の世界へつながる道だ。

30年以上、その道や鉄道レールを辿りながらそれらの思い出を幾度も辿ってきた。写真家や友人達とそれらのコミュニテイやその周辺の場所を訪ねてきた。記録を取ってきた。

唯、いつも、何もかもが変わっていないように見えるのだ。

William Yang – Self Portrait –

My Self Portraits are something of an autobiography. In the late eighties I began to do performance pieces in the theatre and I went from being a photographer behind the lens, looking at the world, to a performer standing in the spotlight commenting on the world. So I became a story teller. I still use images as a means to tell the story but the narrative of my life has become the strong thread of my work.

My family story is one of the themes of my work, I am a third generation Australian born Chinese, Both my paternal and maternal grandfathers came to Australia in that second wave gold rush to the north of Australia in the late nineteenth century. My family has always lived in the Australian community and I have grown up identifying as Australian, however mainstream Australia did not necessarily see me the same way.

On my journey, I have come out as a gay man and embraced my Chinese heritage which had hitherto be denied and unacknowledged. I Have told my story through photography and performances in the theatre. I have found my unique voice and I speak for people who have migrated from one homeland to another, and put down roots in a new land.

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ウィリアム・ヤン – セルフポートレイト –

私の自画像は幾分自叙伝的です。1980年代の終わりに、私は劇場で公演を始めました。レンズの後ろから世界を見る写真家から、スポットライトを浴びて立ち世界について意見を述べる演技者になりました。私は語り部になりました。

私は今でも、話をするための手段として写真を用いますが、自分の人生の物語が作品の強い筋道となっています。

私の家族は作品のテーマの一つです。私は中国生まれのオーストラリア人3世です。父方・母方の祖父は19世紀の終わりに、第2次ゴールド・ラッシュでオーストラリア北部にやってきました。家族はずっとオーストラリア人のコミュニティーに暮らし、私は自分をオーストラリア人と思って育ちました。しかし、オーストラリア社会の主流は必ずしも私をそのようには見ていませんでした。

人生の中で、私はゲイであることを告白し、今まで否定され認められなかった中国の先祖伝来の物を大切にしました。私は劇場で写真や演技を通して自分の話をしてきました。私は自分の独特の声に気付き、祖国から別の地に移住して新しい土地に根を張っている人々に向けて話をしています。

POLIXENI PAPAPETROU

– The Dreamkeepers (2012) –

In The Dreamkeepers, I created a space of transformation that portrays transitional stages in life. In a constructed theatrical world set in the Australian landscape, the dream like nature of the scenes parallel the liminal period of children’s lives as they shed one skin for another. The work is both a critique on the representation of youth and the aged and a meditation on being itself. The young actors remind us of our own shape shifting, of time playing out on our bodies and minds.

Growing up from a child into an adolescent shares some parallels to the transition from adult to elderly. We cannot stop the transformations of time and we change. In these images, I collapsed the extremes of the life cycle into the one body to contemplate a common humanity. It is both a critique of representation of youth and the aged and a meditation on being itself. Portraying the children masked and in adult roles, perhaps growing up in unconventional ways may appear a psychologically dark move in my work. The masked figures as quirky as they are, although of no one in particular, suggest something universal about roles, ageing and the surrender of childhood.

The children have lost their child identity and take on characteristics of an eccentric world that has passed, an age of individual characters who inhabit a landscape far away, transfigured in an elsewhere-space, like adolescence itself. The abstract meeting of these two forms, inner child and outer presence may indicate the latent wisdom and self- acceptance only realized with maturity, or the cyclical nature of our life-spans that inevitably brings us back to the vulnerability and freedom of youth.

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ポリゼニ・パパペトロウ – ドリームキーパー –

ドリームキーパーズでは、人生の過渡期を描写する変容のスペースを作りました。

オーストラリアの景観にある劇場のような世界は、夢のようなシーンで子供たちが古いものから抜け出していく生活の閾と対応しています。この作品は、若者と成人、自身をそのまま受け入れることのメディテイションを再現描写しています。この若い俳優たちは、時間が経つにつれ私たちのからだの形が変わってきていること、体と心に影響が及んでいることを私たちに伝えています。

子供から青年に成長することは、成人から高齢者への移行していくことと類似するところがあります。私たちは時間の変化を止めることはできず、変化していきます。

これらの画像において彼女は、人生を送ることについてじっくり考えるため、ライフサイクルの極端さを1つの身体に押し込んで表現しています。それは彼女の観点からみた若者と成人、そして自身をそのまま受け入れることのメディテイションを再現描写した画像です。彼女の作品は、マスクをして大人のように振舞いおそらく慣習に従わないで成長していく子供たちを表現しており、心理的に暗い行動にみえるかもしれません。マスクを被っている人物は特に誰を指しているわけでありませんが奇妙で、自らの役割、年をとっていくこと、子供時代から離れることについて何か普遍的なものを示唆しています。

子供たちは、思春期のようにアイデンティティを失い、通り過ぎ去った変わった世界、遠く離れた世界で人生の一時期を過ごし、別の空間で変わっていきます。

内面は子供で外見が大人であるこれら2つの形の抽象的概念をひとまとめにして指し示すものは1つか2つあるかもしれません。1つは大人になるにつれ知恵がつきや自分を受け入れていくということ。もう1つは、年をとると必然的に、若かったときのように自由な時間をもてるが、弱くなっていくという人生の旅があるということ。